【畫作簡評】2024奇美博物館特展《從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展》

本次參展將針對筆者印象深刻的畫作，分別進行簡評：

I 人文的甦醒：歐洲文藝復興繪畫

圖1：取自奇美博物館官網

安托內羅．達．梅西那 Antonello da Messina (活躍於1456，卒於1479)

書房中的聖傑洛姆 Saint Jerome in his Study (約1475 / 油彩、椴木板)

本次展場年代最早的畫作《書房中的聖傑洛姆》，映入觀者眼簾的正是身著紅衣主教長袍的天主教教宗─聖傑洛姆。起初觀畫時，直覺聯想到類微型空間的感覺，並覺得這幅畫相當特別，它像是透過一面開放式的窗型，窺探教宗人士的私人空間。然而，這空間乍看也彷彿是一剖面圖，讓觀者看到更多立體的空間展現，例如聖傑洛姆腳底下的小拱型臺階，如隱匿的置物處。接者，左右兩旁的寬闊走道延展至兩側窗外的景色。此外，接近屋頂端的長型窗，連結左右兩側，則顯現了挑高的空間餘裕。觀者固然在畫中發現了許多空間的陳設，但這幅畫中的聖傑洛姆似乎未受空間的影響，他只專注於待在他自己的空間，研讀著經書，連他左前方的書頁正緩緩掉下，似乎未曾影響他正研讀經書的專注力。這幅畫讓觀者的視野聚焦於聖傑洛姆正在研讀經文的樣貌，塑造了聖傑洛姆研讀宗教的學問知識。然而，映入眼簾的是暖黃色的光線，照映在聖傑洛姆以及他的小書房，這暖黃色調反而增添了溫馨、靜謐的時光，因此觀畫時不至於感到嚴肅、冰冷。當看到那張即將要掉落的書頁時，這幅畫似乎更像當場即刻拍攝的照片，時間即刻凍結，令筆者感受到畫家想藉由空間與時間隱約在其中作用，營造教宗人士專心研讀的形象，有意烘托聖傑洛姆人物形象的宗教意味。

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II 從皇室到平民：巴洛克繪畫

圖2：現場拍攝

米開朗基羅．梅里西．達．卡拉瓦喬 Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571–1610)

被蜥蜴咬傷的男孩 Boy bitten by a Lizard (約1594–1595 / 油彩、畫布)

細看卡拉瓦喬畫作《被蜥蜴咬傷的男孩》時，觀者能試著發現畫中男孩的扮裝與真實的辯證對應。其實作品中已產生許多裂縫，但仍不減其觀畫魅力。桌上的花瓶折射出房裡的窗與光線來源，似乎未有人在場，畫家的眼，如針孔攝影機，無意間拍下了這幕。因此，這幅畫當中，畫家運用光線引出男孩的右側臉龐，相當精準地捕捉其瞬間的神情。下方的靜物，讓筆者以為，男孩原先正在整理桌上的果實與植物，且有機滴水滴正附著在瓶子上，或許玫瑰花剛放進花瓶沒多久，但沒有想到，在整理旁邊的果實當中，果實葉的顏色，竟藏了一隻與葉子顏色相近的蜥蜴。男孩未及時注意，這隻蜥蜴突然竄出並咬住他的中指，進而產生如此自然又誇張的神請。男孩的裝扮相當有意思，他頂著看似蓬鬆的紅褐色假捲髮，一朵看似假的白花，與對稱、紋路不清的雙葉，別在他右耳上方的捲髮上，以及看似意圖不明的落肩白袍，這些配件總有些刻意喬裝為女性的意味。這樣的扮裝總不真實，然而畫中的男孩，手指被咬傷的奇特姿勢，以至他的左手感受到痛的自然反應，生動且富有趣味。男孩被咬傷的此刻，嘴角微開，耳朵逐漸偏紅，眉宇間自然地皺眉，更展現了扮裝當中最真實的反應。

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圖3：現場拍攝

安東尼．范．戴克 Anthony van Dyck (1599–1641)
約翰．斯圖亞特勛爵和他的兄弟伯納德．斯圖亞特勛爵 Lord John Stuart and his Brother, Lord Bernard Stuart (1638 / 油彩、畫布)

現場看到這幅雙人肖像畫時，著實被這身著華麗的服裝驚艷。尤其服裝的精心刻畫，可以感受到戴克在此幅畫描繪絲質與緞布的質料相當出色。這幅畫也相當宏偉巨大，兩位兄弟正擺出模特兒等級姿勢。位於左方的哥哥─約翰．斯圖亞特勛爵．上半身向後些微傾斜，展現了服裝布料的光澤，他同時輕鬆地靠著身旁的大臺階，露出白皙的右手置放在披肩旁，使人感受到布料柔軟的皺褶間，仍保有色澤的明暗度；右方是弟弟伯納德．斯圖亞特勛爵，他的左腳往前一步，積極展示他左側褲裝質料的精細製作。此外，他的右手刻意將披肩拉起，讓觀者能看見內襯的布料以及內在服飾的精美編織。整體畫作流露著兄弟倆身著黃與藍之間的色彩張力，而他們身體的姿勢，更展現了衣著布質料的工藝精細程度，穿起來顯得挺拔，色澤飽滿，兼具藝術美感，也襯托肖像人物的從容與自信。兄弟倆絕對是貴族服飾最佳代言！

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圖4：現場拍攝

彼得．德．霍赫 Pieter de Hooch (1629–1684後)

庭院裡的音樂會 A Musical Party in a Courtyard (1677 / 油彩、畫布)

這幅畫是霍赫的作品《庭院裡的音樂會》。現場觀畫時容易略過，然而仔細看才發現頗有意思。畫中的時間點應是白天，但觀者的視角是從左半邊陰暗處展現。裡面的人不知在聊什麼，看起來正在談交易，他們表情看來似乎談得不錯。但悉心看，左半邊並沒有全是陰暗，其實還有一點微光，這微光有點偏橘紅色，些微點亮著男性談話者下半部的臉龐，光也順勢映照了桌上的水果，以及女談話者的鮮橙色長裙。感覺有些暗示，似乎要做什麼秘密事情，這使觀者能自行想像。此外，右邊的男性只露出背影，不知是否跟女談話者是同夥人，秘密談話時需有人在門口守候。然而，右方的男性與左方談話情境又好似可以切分開，如兩個時空並置，同步行進，整幅畫的描繪方式充滿故事劇情。

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III 探索與創造：壯遊風潮

圖5：現場拍攝

湯瑪斯．勞倫斯爵士 Sir Thomas Lawrence (1769–1830)

查爾斯．威廉．蘭姆頓肖像（紅衣男孩）Portrait of Charles William Lambton (‘The Red Boy’) 1825 / 油彩、畫布

現場觀賞勞倫斯爵士《紅衣男孩》這幅畫，發現小男孩的臉龐容光煥發、剔透晶瑩，眼裡映出的光線，畫龍點睛。他一身的酒紅絲絨緞布，顯現低調的貴氣，卻不庸俗。然而，小男孩的整張臉，卻比他身穿的服裝明亮許多。因此，到底是服裝襯托容顏，還是天然稚嫩的臉龐獨佔鰲頭？小男孩的神情，描繪地唯妙唯肖。此刻，筆者想起羅丹的雕塑《沉思者》，人像的頭及眼神，是朝身體下方做自我的深度思考。如果羅丹《沉思者》展現了一種人類進行著沉著、漫長的歷史思考，那麼《紅衣男孩》則捕捉了男孩微仰著頭，正在思考的瞬間，類似正質疑剛聽到的事件、正假設某一個前提，猶如營造一種可能的創意發想。有人說《紅衣男孩》這幅畫是單純、甜蜜的純真稚氣。畫中的男孩，不僅展現稚嫩的臉龐、直覺的眼神，更巧妙地流露他不受外界紛擾的氣質，創造想像的無限可能。

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圖6：現場拍攝

約瑟夫．瑪羅德．威廉．透納 Joseph Mallord William Turner, 1775–1851
海洛和利安德的離別（出自希臘詩人穆塞厄斯）The Parting of Hero and Leander from the Greek of Musaeus (1837前 / 油彩、畫布)

《海洛和利安德的離別》這幅畫，除了藏著希臘詩文的典故情節，更展現了世代交替，風起雲湧的感覺。中間的人們，試圖在對即將迎來的船隻呼喊求救，看起來說不上有恐懼感，但他們身體的姿態又顯現一種性慾上的狂喜。右下角也有一群人遇難，正面臨變動卻奮力向上爬，如幽靈一般，能感受到力挽狂瀾的作用。有趣的是，畫面中的建築物與人逐漸融合，且右下角的一群人也漸與波濤海浪融為一體，這種意境像是有極大的程度，想扭轉自身命運之意味。雖然本幅畫配色沒有其他畫家使用的鮮豔，但整體表現，將人們的內心與外在壯麗的自然景象相呼應，產生極具震撼的戲劇張力。

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圖7：現場拍攝

亨利．雷伯恩爵士 Sir Henry Raeburn (1756–1823)
拉夫的羅伯特．弗格森（1770–1840）與羅納德．弗格森爵士中將（1773–1841）（弓箭手）

Robert Ferguson of Raith (1770–1840) and Lieutenant- General Sir Ronald Ferguson (1773–1841) (‘The Archers’) 約 1789–1790 / 油彩、畫布

雷伯恩爵士的這幅《拉夫的羅伯特．弗格森（1770–1840）與羅納德．弗格森爵士中將（1773–1841）》(弓箭手)，光線由左側進入哥哥─拉夫的羅伯特．弗格森半側臉，正準備拉弓射擊，右手臂借助光線而能感受到拉弓時，隱藏在服裝下的手臂，有著精健的肌肉線條。這試圖拉弓的右側範圍，猶如掀開一處不尋常的鏡頭，產生了弟弟羅納德．弗格森爵士的人像屏幕。因此，弟弟出現於右側，光線稍暗，然而他的眼神看向觀者的角度有些刻意，使觀者能自然地順著弟弟的眼神，將目光放在哥哥拉弓的整個手臂，除了暗紅色服飾產生的對比，可以觀察到哥哥整個手臂拉弓時的線條及彎度，延伸至左手大拇指的指尖些微彎曲的線條，整體刻劃出手臂拉弓時伸展的曲線。這幅畫作也使筆者想起第二展區的戴克的《約翰．斯圖亞特勛爵和他的兄弟伯納德．斯圖亞特勛爵 Lord John Stuart》；然而，本畫作並未特別展現身著鮮豔華美的服飾，兄弟倆的臉色淡然，卻有助強化觀者察覺弓箭手射擊前的精實姿態，著實令人印象深刻。

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IV 光線與色彩：印象派繪畫

圖8：現場拍攝

愛德華．馬內 Edouard Manet (1832–1883)
音樂咖啡廳一角 Corner of a Café-Concert (約 1878–1880 / 油彩、畫布)

喜歡馬內的《音樂咖啡廳一角》這幅畫，覺得可以從畫中不同切面來看。左上角切面，察覺到一位距離較遠的女舞者，正在演出；然而，看起來只是輕描淡寫。若延伸至中間切面的男客人，觀者只看到斜側的背影，會發現他的視線，好似看向舞台上的舞者，但其實他並沒有對焦，反而是托著白色煙斗，將手肘靠在桌上，悠哉地享受現場氛圍。對比之下的女服務生，才剛放下右手端送的酒，眼神接續看向其他要送酒的位置，她沒有寄情於現場熱鬧的氛圍，但她在舞台下，忙碌地穿梭於客群中，卻成為了畫家眼中那位動態的表演者。

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圖9：現場拍攝

文森．梵谷 Vincent van Gogh (1853–1890)

長草地與蝴蝶 Long Grass with Butterflies (1890 / 油彩、畫布)

當莫內的《鳶尾花》以及梵谷的《長草地與蝴蝶》合併觀賞時，總能稍舒緩一下視覺疲勞。梵谷的《長草地與蝴蝶》當中，長草的描繪，藉由畫筆顏料展現了黃、綠、藍、深灰與黑的多重筆觸構圖，上端為遠處，呈現和諧的色調，然而透過深色的筆觸，觀者的視線從上至下則漸漸發現，描繪長草的景象開始變得壓迫，因為草的生長形象越趨向茂密，似乎佔滿整張畫的範圍，找無邊界。其中，亮點有白色的小蝴蝶在草地上飛，若專注於蝴蝶，會感到一絲視覺和緩的趣味。因此，看完梵谷的這幅畫後，轉換至莫內的《鳶尾花》，會發現色調其實有些相似，不過莫內的《鳶尾花》，葉子看起來有點雜亂，畫作的筆觸較為奔放，右下角的景象更已混成團泥，反而覺得當中最飽滿的色調是那條充滿沼氣色澤的橄欖綠小徑。若是梵谷的《鳶尾花》，則能突顯每朵花及葉的特寫姿態，線條分明，富有強烈、飽滿的生命力量。

圖10：現場拍攝

克勞德．莫內 Claude Monet (1840–1926)

鳶尾花 Irises (約 1914–1917 / 油彩、畫布)

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本次特展由臺灣奇美博物館與英國國家藝廊合作，展牆的配色在各單元展區中，更是搭配其歷史脈絡，足見展覽策畫的心意。第一展區以粉膚紅揭開序幕，緩緩進入15至16世紀歐洲文藝復興繪畫的渠道，增添些許溫和的人文色調。第二展區為17世紀巴洛克繪畫時期，運用了奢華卻稍黯淡的金黃色，猶如象徵了由明亮的皇室貴族，漸漸走向市井平民勞動的意象，配色從亮麗的金黃色融合土地的色澤，突顯高貴卻低調的金黃色系。第三展區進入鮮麗的酒紅色，開啟18至19世紀初歐洲國壯遊風潮(The Grand Tour Trend)的嶄新頁面。最後的第四展區，則以近似深土耳其藍之色調，展現19世紀後期強調光線與色彩的印象派畫作。感謝有此機會造訪本次特展，展覽當中除了可見古典與創新，也感受到館方對於策展的用心。

• 展出｜從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展
• 參展｜2024.08.09 (Fri.)
• 地點｜奇美博物館 CHIMEI MUSEUM (臺灣-臺南)
• 備註｜本展館內開放一般參觀留念拍照，本文使用照片僅個人參展分享，不做任何商業用途。